El pasado sábado 4 de noviembre, mientras ensayábamos para la Gala Aniversaria 140 Años del Teatro Baralt, en un receso oportuno logramos contactar, por teléfono, al eximio maestro del arte y la crítica en Venezuela, el maestro poeta Juan Calzadilla (Altagracia de Orituco, 16 de mayo de 1930), quien desde su residencia, en Caracas, aceptó, feliz, jugar junto conmigo este gratísimo juego poético-periodístico que Noticia al Día publica hoy como un regalo de Navidad para todos sus consecuentes lectores. Poseedor de una lucidez extraordinaria, algo sordo pero con espléndido sentido del humor y una exquisita capacidad intelectual sustentada en una memoria precisa y tierna, el artista e intelectual de 92 años y contando, procesó con maestría los once racimos de preguntas, construidos desde otro juego avalado por él mismo: decidí invitar a algunos artistas de mi afecto pleno para que acompañara esta ingente reflexión acerca del universo Calzadilla, desde el propio Juan, quien luego incluyó algunas hojas sueltas de reflexión y análisis sobre la historia del arte en Venezuela y, como estupendo corolario de nuestro gran regalo biográfico, él mismo nos autorizó a colocar sendos links mediante los cuales el lector podrá descargar, gratis, sus dos últimos libros. Un invalorable obsequio del Premio Nacional de Cultura de Venezuela 1996 Mención Artes Plásticas.
El desarrollo de este trabajo da para un nuevo libro y así hemos querido ofrecerlo hoy, como un amplio recorrido acerca de la vida y obra de quien estuvo viviendo en Maracaibo, ciudad en la que organizó y realizó el Salón Espacios Vivientes, entre el 14 y el 28 de febrero de 1960. Junto con el pintor y fotógrafo Daniel González (n. 1934), partió de la idea de asentar objetivos en juego, además de haber escogido la ciudad para un salón de “pintura liberada”. Los puntos que colocan justifican a Maracaibo en respuesta a Caracas como meollo cultural del país. Allì presentaron la obra de Renzo Vestrini (1906–1976, padre de la periodista poeta Miyó Vestrini), un artista oriundo de Italia e inmigrante de posguerra que operó dentro del informalismo en Maracaibo desde 1955. Otros organizadores fueron Manuel Quintana Castillo, Perán Ermini, Josefina Urdaneta y Alberto Urdaneta, Carlos Contramaestre, Pascual Navarro, Rubén Núñez, Alberto Brandt, Jorge Castillo, Mercedes Pardo, Julio Borges, Marcos Miliani, Pedro Briceño, Fernando Irazábal, Raúl Garmendia, Hernán Dupuy, Ramón Vásquez Brito, Maruja Rolando, Mary Brandt, Molos Jonic, Teresa Casanovas, Rafael Sandoval, Puig, Luis Ramírez, Pedro González, Ralph Ermini, Almenar, Alcides López Orihuela y Jesús Rafael Soto. Dicho sea de paso, el texto de Calzadilla sobre el salón registra 34 artistas.
Es tan amplia, densa y compleja la obra desarrollada y, sobre todo, aún vigente, del maestro poeta Calzadilla, que decidí renunciar a la conciencia cabal del espacio periodístico per se para expandir el necesario interés divulgativo de esta gloria muy viva y lúcida del arte y la creación contemporáneas en la Venezuela de estos dos últimos siglos. Toda la entrevista, con sus apostillas y los sendos libros, aparecen incluidos en esta edición de antología, donde, auspiciado por Noticia al Día, el maestro poeta nos dice también ¡Feliz Navidad!…Leámosle…
1.-Usted trabajó un tiempo importante en Maracaibo como
artista y periodista…¿Cómo recuerda aquella época de la
ciudad?; ¿cuál fue su vinculación más importante con el
movimiento cultural de entonces?; ¿Qué significó el Grupo
Apocalipsis y cómo enfocaría la vinculación de la ciudad con
aquel movimiento?; ¿Podría perfilar el rol de cada uno de los
poetas y artistas involucrados con dicho movimiento?; ¿Cree
que el país cultural, e incluso la región misma, ha sido
consecuente y ha hecho honor con los aportes de
Apocalipsis?; ¿Quién de ellos ejerció mayor influencia sobre la
obra total aportada por el Grupo?
JC
-El grupo Apocalipsis fue una invención de Hesnor Rivera
(1928), quien había residido por corto tiempo en Chile, donde
recibió la influencia del surrealismo a través de una breve
militancia en el grupo Mandrágora, famoso en aquella época.
De regreso a Venezuela se estableció en Maracaibo en calidad
de periodista del diario Panorama, donde llegó a ocuparse por
mucho tiempo de la sección cultural del diario. Para su
proyecto de fundar un grupo literario de espíritu libre y
dedicado a la poesía surrealista, Hesnor captó en el liceo
Udón Pérez a tres estudiantes: César David Rincón, Néstor
Leal y Atilio Storey Richardson. La nómina la completarán
Régulo Villegas, carupanero, estudiante de Derecho en LUZ,
y Miyó Vestrini, hija adoptiva del pintor italiano Renzo Vestrini,
y algún otro que no recuerdo. La actividad del grupo se centró
en la elaboración del cadáver exquisito, especie de juego y
creación de André Breton que consistía en el proceso de
reunirse para escribir, de forma colectiva, un texto en el cual
el participante, llegado su turno, anotara una frase absurda
sin conocer la que escribió el que le precedió en la
rueda. Atraído por esta fórmula, acepté la invitación de Apocalipsis
de trabajar con este grupo y viajé a Maracaibo con César
David Rincón, el más inquieto de los apocalípticos, para
incorporarme al grupo, tal como ocurrió, en marzo de 1956.
En Maracaibo residí durante seis meses de intenso trabajo con
el grupo que se reunía para escribir sus cadáveres en
cualquier parte de la ciudad donde hubiera gente, y
especialmente en los bares. Poco se ha hablado de la
actividad de Apocalipsis y de una labor que comprende la
redacción de cerca de mil cadáveres exquisitos por espacio
de seis meses con que fueron cubiertas prácticamente todas las
calles del centro de la ciudad.
Perfilar el rol de cada uno de los integrantes del grupo,
individualizándolos, se me hace difícil ya que se sabe que con
el cadáver exquisito se busca un lenguaje uniforme y
despersonalizado, sin visos de estilo. Pero sí se pueden
establecer diferencias de tipo afectivo, intensidad temática,
mayor frecuencia del acto de escribir. De todo el grupo, César
David fue el más impulsivo e irreverente, el más ganado por
la inspiración a flor de piel y quien por intemperante pagó con
la muerte su corto tiempo vivido. Seguido por Storey
Richardson. quien abandonó sus estudios de música clásica y
descontento con lo que estaba haciendo se suicidó una tarde
rociándose con gasolina.
La única publicación que conocemos de Apocalipsis fue el
folleto Paraíso de los condenados, compilación cuyo autor
Régulo Villegas terminó su vida como abogado. En tanto que
Néstor Leal asumió papel moderador y censor frente a los
desusos del lenguaje que llevaban a la imprecación y el
arrebato durante la fabricación del cadáver exquisito.
Obsesivo, crítico y escrupuloso, Néstor llegó a ocupar durante
varios años la presidencia de Monte Ávila Editores, desde
donde hizo labor ejemplar.
Hesnor Rivera, por su parte no tenía necesidad de apoyarse
en el cadáver exquisito, pues él ya dominaba el verso
surrealista, tal como lo comprueba una extensa bibliografía
que lo ha llevado a ocupar posición magíster en los primeros
lugares de la poesía zuliana. En tanto que, a muy corta edad,
en Maracaibo, Miyó Vestrini estuvo alineada con Apocalipsis y
participó en varios talleres, sin poder superar el rechazo que a
su celosa madre le inspiraba la actividad literaria de su arisca
hija, relación que afectó profundamente su vida emotiva,
hasta llevarla al suicidio, más tarde, en Caracas.
El grupo Apocalipsis no alcanzó a labrar una tradición fuerte
en la literatura maracucha, que pudiera verse reflejada en el
interés con que se tomaba en serio el Surrealismo y la
improvisación, si bien despertó simpatías en la población y
afectó a los pocos valores que sembró principalmente en la
pintura, con Francisco Hung, un abnegado producto de
Apocalipsis. Ni el grupo fue comprendido y estudiado por la
crítica al punto de que hubiera quedado sobre él un libro o un
estudio o crítica o hemeroteca. Un acervo de piezas, sino
nada.
2 Registramos el interés de un anónimo grupo de docentes
por conocer su pensamiento sobre el asunto de la educación
artística, visto desde su propia experiencia. ¿Puede comparar
la educación temprana que recibió usted, con respecto a lo
que ahora es y cuál es su parecer al respecto?; ¿Qué tipo de
educación encauzaría la formación artística o en valores
espirituales y culturales?; ¿Cómo albergar el fenómeno
inquietante de la inteligencia artificial, dentro de este actual
contexto social y educativo?; ¿qué recomendaría con relación
a estos temas de la pedagogía, e incluso de la andragogía?
JC
-Soy de opinión que en materia de educación artística
tomamos un camino equivocado, cuyo error estuvo en creer
que al abandonar la Academia alcanzaríamos la total libertad
de ejecución para hacer lo que queramos en arte. Fue esta
idea lo que llevó a la mutilación y mutación de la Escuela de
Artes Plásticas de Caracas en 1958, y la ubicación que de ella
se hizo en la avenida México, contigua a la nueva sede de la
Seguridad Nacional. EL plantel no volvió a sacar cabeza y
desde esa fecha vive en postración, simplemente vegeta.
En materia de educación, yo soy un hijo de la improvisación,
un autodidacta forjado en la calle y en la lectura del
movimiento artístico desatado en Caracas a raíz de la
controversia del abstraccionismo geométrico con el realismo
social, de todo lo cual, como investigador de arte obtuve
métodos de interpretación creados por mí mismo. Todo eso
me hace testigo privilegiado del vuelco que en los últimos
años ha dado la crítica de arte rumbo a su desaparición.
3.- Desde el Teatro Colón, en Buenos Aires, Régulo Pachano Olivares,
gerente cultural que acompañó a Lía Bermúdez en la magna
aventura del Centro de Arte, con sus 30 años recién
cumplidos, le saluda: “Buen día querido Juan:
Le preguntaría si aún siente usted que quien “huye de la
ciudad huye de sí mismo”, como sucede en su poema del libro
Oh, smog de 1977. Cómo explica entonces que lo mismo esté
sucediendo en estos tiempos presentes con tantos
venezolanos en tránsito…
JC
-Gracias por su saludo, querido amigo. Confío en la
conjetura de una pregunta que se explica por sí misma,
descrita completamente al azar y asentada en el libro Oh
smog. En cambio, ¡Cuánta saudade experimento por su sabio
papel cumplido en el Museo Lía Bermúdez, para llevar a cabo
tal milagro!
4.-En Maracaibo, el físico, pensador y poeta Américo Gollo Chávez,
quisiera leer de usted su evocación de una época muy
importante: “Su experiencia en Maracaibo, en la Dirección de
Cultura, (en LUZ) César David era el director…”.
JC
-Desaparecido el grupo Apocalipsis, y pasado el tiempo, en
1968, César David me pidió que lo acompañara en la
dirección de Cultura de la Universidad del Zulia, para la cual
fue nombrado por el rector Régulo Pachano Áñez, y en la cual
entré para ocuparme del manejo de la actividad artística.
Entre una de las cosas que hice fue montar la única
retrospectiva del arte zuliano desde el siglo XIX hasta hoy que
se ha hecho en Maracaibo. Así como una reseña del tejido
guajiro reunido en los propios lugares donde se produjo con
base en piezas originales que se llevaron a Maracaibo para
hacer con ellas una exposición en el Instituto Andrés Eloy
Blanco en 1969 no tuve la misma suerte en la actividad
menuda, como conciertos y recitales. Privaban mucho los
intereses de grupos políticos encontrados, y el director Rincón
se vio lentamente privado de autoridad hasta tener que
desertar.
5.-Montado sobre el relámpago del Catatumbo irrumpe mi
tocayo, Alexis Fernández, con devoción de muchacho
esperando su koan: 1) Usted advierte en su nota introductoria al poemario Oh,
smog seguido de Una cáscara de cierto espesor, que “…ambos libros, dada la temática que abordan y su lenguaje, se
complementan y vienen a ser expresión del cambio hacia un
registro urbano de raíz epigramática que el autor empezó a
experimentar en el interregno comprendido entre la
publicación de ambos textos, 1977-1985. ¿Esos años significaron la imposición del
andamiaje urbano sobre su lenguaje lírico y la temática poética. Que era ya una
presencia que venía presagiando nostalgias desde su
nacimiento en Altagracia de Orituco, en 1930 pasando por las
riberas del Orinoco hasta asumir la Caracas de macadam y
cabilla?
JC
-En efecto. Entre un libro y otro se van apreciando los
cambios que voy introduciendo para tratar los nuevos temas,
sin necesidad de romper la estructura de su lenguaje Y
alcanzar un estilo más intimista y reflexivo o despojado de
violencia, como el que se refleja en éste:
INTERSTICIO
Hay que oír la respiración del lector.
Hay que oírlo en el momento en que no se le escucha,
cuando está más atento a lo que no se dice.
Cuando en lo que él oye sólo hay silencio.
Hay que oírlo en los intersticios del poema
cuando todavía no se ha escrito. (Minimales, 1993)
6.-Sigue preguntando, el tocayo Fernández: .Cuando Juan plantea en
El libro de las poéticas: “La poesía tal como la veo, siendo uno de los últimos asideros del alma,
y el más oscuro y vulnerable, verdaderamente tiene como fin
último repensar sus propios límites dentro de un
espacio verbal en cuyo centro, junto al vacío que habla
continúa estando el hombre. Y esto, en mi obra, se da
asociado… a la reconstrucción de la esperanza… así sea en
medio de los peores desastres” (2006). Él comparte con
Eugenio Montejo, las consideraciones de éste en cuanto a que
“…la poesía es una bendición porque uno tiene la certeza,
cuando se vincula a ella, incluso como lector, de que la poesía
es la última religión que nos queda, sustrato de lo que fue
en algún tiempo lo sagrado en la tierra. Una especie de isla de
salvación, de conexión con algo arcaico que hace que el
hombre sea hombre y que ha desaparecido o tiende a
desaparecer…” (1991), en entrevista con Miguel Szinetar.
Consideración que en algún momento también ha sostenido el
poeta Gustavo Pereira al afirmar que: “La poesía ha sido un largo camino hacia la otra conciencia,
allí donde la existencia humana se descubre, redescubre y
arriesga a plenitud. Hacia el ser y no hacia el parecer.
Ninguna uniformidad, ningún bajo fondo mercenario, ninguna
disociación —excepto la de los sentidos— le son
consustanciales. Acaso su misión, si es que alguna tiene, sea
únicamente avivar, nutrir, enaltecer, no dejar morir las fibras
sensibles de lo humano. Propiciar en definitiva el despertar
contra el letargo, el misterio contra la ordinariez, el portento
contra la postración, la inteligencia contra la estupidez, el
vivir contra el morir. Porque la poesía no es sólo una
referencia estética sino también una fuerza moral” (2002).
Estas tres percepciones coinciden entre sí en cuanto a
valoración óntica de la poesía, en cuanto a su desempeño y
praxis como lector y escritor, está usted de acuerdo?
JC
En efecto, estoy de acuerdo con la filosofía de mis
amigos Eugenio Montejo y Gustavo Pereira, poetas que desde
posiciones diferentes coinciden en defender a la poesía cual
un substratum del espíritu, una isla apersogada a dios, más
allá de la cual el poeta se considera en el deber de estimar a
todo lo que escribieron los demás poetas que le precedieron
en el uso de la palabra como a su propia obra, del mismo
modo en que, en otro orden de ideas, seguimos siendo hijos
de todos nuestros padres. (1999)
7.-Yehoshua Villarreal, recién ganador de la Bienal de
Salerno, en Italia, pregunta, desde Miami: “Primero quiero darle gracias al Eterno por su vida,
que le siga dando sabiduría, inteligencia, salud, prosperidad y mucha
paz. Segundo quiero darle gracias a usted por ser un atalaya
activo del arte, hacedor y cultivador del mismo, porque
hombres como usted provocan que el arte abra su boca y su
voz sea escuchada aquí, allá y en los cuatro puntos que
cercan la tierra, abajo y arriba… Mi pregunta es, en este tiempo de acumulada experiencia, si
el Arte le pregunta: ¿Y ahora, que vas a hacer conmigo? ¿Qué
le contestaría?
JC.
-DE EXISTIR OTRAS COSAS
Sería signo de buena salud
saber que el poeta puede salir
de sí mismo, aunque sea por un rato.
Pero antes tendría que comprobar
si en efecto existen otras cosas.
Y este aplazamiento lo reconforta.
8.-Artista de colores francos y contestatarios,
creador de volantines y de populares
“Mijolindos”, mi compadre Ender Colina trata
de arribar al boche su bola criolla ganadora:
“Buenos días amigo Juan . Ahí va la pregunta:
¿Por qué hay poco interés e iniciativa para
la investigación sobre los procesos
y los movimientos de las artes plásticas
en el país?
JC
-En principio porque desde hace tiempo
está faltando quien lo haga. Pero también
porque no existen las condiciones para
que se produzca ese interés.
Y también por la falta de una plataforma que
induzca a pensar en el arte como una
necesidad de la vida en la cual estén
claramente determinados los valores por los
cuales vale la pena alcanzarlos.
Esto no existe actualmente en
nuestro país.
9.-Fernando Asián, incluido en el 90mo. Salón de Otoño en
Madrid y gran seguidor del maestro poeta, dibujó sus líneas
con música concreta: “Juan tenía recopilado en una caja las imágenes necesarias
para elaborar una Historia del Arte de Venezuela, esto lo vi en
la época de Editorial Futuro cuando solíamos comer en
nuestra casa de San Cristóbal y planificar ese proyecto. Por el
interés que tiene para nosotros la educación y difusión
artística sería interesante saber si ha podido madurar este u
otro proyecto didáctico, hoy más necesario que nunca para
los jóvenes y cuya bondad estaría garantizada viniendo de
él…”.
JC
-Tengo entendido que Fernando Asián vivió en
Venezuela hasta hace poco. Era miembro de un pequeño
grupo de dibujantes españoles dedicados al Cómic
internacional que se confecciona para circular en revistas y
diarios de gran circulación. Por la falta de clientela en
Venezuela para su sofisticado arte, pero enamorado de las
bondades salvajes de nuestro país, Asián decide sumarse a
nuestro movimiento artístico y una vez establecido como
diseñador en San Cristóbal, Táchira, se hizo gran amigo del
suscrito.
10.-Vuelve a preguntar este entrevistador alucinado:
En la introducción de Fragmentos Manual
de Sobrevivencia, usted dice “…Y así como el europeo no ha
necesitado asomarse a América para construir su sistema de
mundo, a nosotros, los latinoamericanos, se nos ha impuesto
conocer, estudiar y predicar a Europa desde que tenemos uso
de razón. Somos una raza de síntesis humana, todo lo que el
mundo haga hoy y mañana tendrá que pasar por nuestro
saldo”. ¿Podría extender la inconmensurable dimensión de
esta suerte de manifiesto, o proclama? por supuesto es así. y
su obra da el ejemplo.
JC
- “La memoria es como un muro demasiado alto. Puedo apreciarlo, calcularlo, medir la distancia a que me pone de la calle, es decir, del mundo, tomar impulso… pero nunca saltar sin correr un riesgo peligroso, ante el cual me rindo. Entonces no recuerdo. El muro es el miedo a lo que siempre sobrevendrá. De pronto me interrumpo. Un gran acontecimiento. Lo prefiero así. El mundo se estremece. Silencio. Ha comenzado a llover. No antes, sino ahora mismo. No aquí, sino lejos, pero ha comenzado a llover. Esto es, teóricamente hablando, muy importante. ¡Aunque en la práctica no me toca la lluvia, ella habla de lejos!, me hubiera gustado manosearla, eso sí, pero solo la presiento, es todo. La recuerdo fijamente como una buena lengua en mi mano y entonces toco suelo, estoy de buen humor, me invade una felicidad momentánea, río a carcajadas, dando vueltas por todo el cuarto. Cuento sus sílabas de agua, mi oído escucha una conversación: mi nombre dicho en voz alta. Me llaman. ¡Son los ángeles, doctor, los ángeles! ¡Han vuelto!”. Bicéfalo.“Vienen con las lluvias”, p. 39.
11.-Un artista, Félix Calzadilla, vinculado con su familia, está generando cierto furor por la majestad de sus ideas de un dibujo que ocupa esencialmente los espacios públicos. ¡Podría darnos su impresión vinculada con ese proceso creador?
JC- AVENTURAS DEL DIBUJO CONTINUO… Dibujo de línea continua es el nombre que recibe una corriente de arte creada hace unos años por el aprendiz de pintura Félix Alejandro Calzadilla, quien de manera autodidacta creó en Maracaibo, por su cuenta, derrochando coraje, ingenio y gusto de los colores vivos mientras realizaba hace algún tiempo las primeras piezas con que se anunciaba esta nueva corriente pictórica que goza hoy día en el Zulia de gran receptividad. Por Dibujo de línea continua se entiende este fenómeno de obras sin enmarcado, directamente ejecutadas con marcadores de color plano e intenso en muros y galerías de Maracaibo. Desde ese entonces este estilo de obras ha evolucionado mucho al punto de incorporar nuevos materiales y adoptar modalidades técnicas como el collage sin restar pureza y precisión a una gama de colores vivos por el estilo Pop art. De modo tal que ha sido el propio autor el que ha dado mayor difusión al movimiento con sus presentaciones hechas de manera espontánea en calles y espacios privilegiados de la ciudad, y con el apoyo de público y de alguno que otro conocedor de arte. Si bien es cierto, que el movimiento ha seguido los pasos de su inventor Félix Alejandro, no puede decirse que éste ha estado librado de referencias como es la pintura mural que por encargo de nuestro gobierno realizara el pintor cubista Ferdinand Léger con destino a la ciudad Universitaria de Caracas , y asi llegar a un punto tal de evolución en que se abre para él, con su éxito ganado, una brillante perspectiva museográfica.
MEMORIA DE UN CREADOR
1.-En una época en que el crítico de
arte se formaba en la calle y no en
instituciones académicas o
museológicas y en que la actividad
crítica se confundía con la labor
periodística, no fue fácil para mi
generación escapar a la fascinación
que producía el descubrimiento de
los grandes movimientos del arte
moderno ni tampoco el interés que
despertaba el hecho de que fuéramos
testigos de una transformación del
arte venezolano que se extendió
también a otras disciplinas y en
especial a la literatura, tal como
pudo apreciarse en el surgimiento
de grupos innovadores como Sardio y
El Techo de la Ballena.
2.- En una época tan crucial y polémica en la
que casi se le pedía a todo el
mundo que tomara partido y gritara
su rabia a las puertas de los
museos, se hizo imperioso definir y
afirmar afinidades para integrarnos
a lo universal a partir de las
modestas contribuciones que aquí
hacíamos, comportamiento que parece
ser desde entonces una de las
peculiaridades del clima cultural
venezolano.
3.-De otra parte, los oficios o
vocaciones que se podían elegir
como ejercicio de vida no estaban
en aquella época tan reñidos ni se
excluían tan compulsiva y
competitivamente entre sí como hoy,
lo cual conducía a que no fuera
infrecuente encontrar entre los
pintores mismos gente pensante que,
igual que reflexionaba sobre su
trabajo, podía escribir ficción o
dedicar tiempo al pensamiento
crítico. No era extraño tampoco ver
a los escritores inclinarse sobre
el caballete para intentar
borronear una figura.
4.-Ahora bien, para continuar con
estas anotaciones autobiográficas,
diré que en l953, perdida la
oportunidad de graduarme y
frustrado políticamente por el
fracaso del plebiscito electoral
del año anterior, yo pensaba
seriamente en que podía dedicarme a
la literatura. Durante largas
temporadas en la provincia y en el
ocio de los difíciles días de una
prisión política en Caracas y de
varios meses de persecución en el
estado Guárico, había yo hecho
muchas lecturas de clásicos y
modernos y escribía poesía medida y
rimada.
5.- Recuerdo que Mariano Picón-
Salas me publicó en el Papel
Literario de El Nacional una Égloga
inspirada en una famosa pieza
homóloga de Garcilaso. Aquel año de
l953 alcancé un premio en un
concurso de poesía en cuyo jurado
estaban Ida Gramcko y José Ramón
Medina. La torre de los pájaros
era ese largo poema de inspiración
withmaniana que dos años más tarde,
en 1955, editó en Valencia Felipe
Herrera Vial en los Cuadernos
Cabriales.
6.-Por esa época yo no tenía la menor
idea del género de actividad al que
podía consagrarme como medio de
vida. Pero la ironía es que de poco
sirvió aquel premio ni el estímulo
que le atribuí. De regreso en
Caracas, me dediqué afanosamente a
buscar un puesto de trabajo, pero
sólo conseguí que Pascual Venegas
Filardo, enfundado en su talante
huraño, me empleara a destajo en la
redacción de El Universal para
escribirle una columna semanal que
salió durante varios años en el
Suplemento Cultural de ese diario,
con el título de Reseña de la
Semana.
7.- Tengo que agradecerle a
este espacio la audacia de haberme
empujado a escribir regularmente
sobre libros y sobre las artes
plásticas y sus protagonistas. Por
esta época el periodismo era la vía
natural para el ejercicio de la
crítica e incluso para perseverar
en ella. No se editaban como hoy
libros de arte y lo que se
publicaba en los catálogos era
extremadamente simple aunque muy
sincero. Los escritores que se
aventuraban a escribir artículos
sobre arte, como Picón-Salas,
Meneses, Pineda, Armas Alfonzo,
Antillano y Carpentier, se sentían
como prestados a aquella actividad
y no hubo ni uno solo que, con la
excepción de Gaston Diehl, (un
francés radicado por entonces en
Venezuela) se considerara a sí
mismo crítico de arte.
8.-La museología estaba en pañales y no
había como hoy facultades de arte
ni revistas especializadas.
Fernando Paz Castillo y Enrique
Planchart se habían iniciado
bastante antes, en l919, como
gacetilleros en El Universal y
después que yo, escribiendo para
otro diario, lo hizo también
Roberto Guevara. No eran hombres
salidos de academias de arte.
9.-Pero cómo sabían. Por entonces Pedro
Ángel González dictaba cátedra a
las puertas del Museo de Bellas
Artes y ya había muerto uno de
nuestros docentes más agudos, esa
figura tan querida por los
valencianos de aquel tiempo que fue
Antonio Edmundo Monsanto,
cofundador del Salón Michelena.
10.- El éxito de un escritor está seriamente amenazado cuando por necesidad se ve llamado a expresarse simultáneamente en varias disciplinas; cuando encuentra en éstas pretexto para una obra total, más allá de los géneros. O cuando los mezcla a éstos para obtener un subproducto
híbrido que saca de quicio a los manualistas profesionales.
11.- AFORISMOS: El artista no renuncia a la vida. Es la vida la que suele escapársele. El arte es innovación, no conocimiento. Por eso no tiene memoria de sí. Lo real para el artista es lo nunca visto. Quien muere no es tan culpable de su muerte como del hecho de que abandona el mundo. ¿Por qué ese silencio no se calla? Porque se ha enemistado con el ruido. ¡Él también quiere hacerse oír!…La finalidad del arte es hacer felices a los hombres. Dos quiera que también a los que lo hacen… Quien muere no es tan culpable de su muerte como del hecho de que abandona el mundo…Quien muere no es tan culpable de su muerte como del hecho de que abandona el mundo…Quien muere no es tan culpable de su muerte
como del hecho de que abandona el mundo…No hay como cuando se pierden
las cosas para desear recuperarlas…Pretende decir que la repetición del error
ayuda a no seguir combatiéndolo. ¡No sabe este tonto que la práctica
crea el hábito!… Un carácter débil en cuanto a que sabe ser consecuente con todas sus debilidades prueba que para ser débil se necesita carácter. EL ESPEJO
ES ADMIRABLE SU DON DE PERSISTIR. HASTA EL ESPEJO LO REPRODUCE.
¡FELIZ NAVIDAD..!
¡Salud!
Juan Calzadilla comparte con nuestros lectores, estos dos libros de su autoría:
–libro EL HABITANTE PRECAVIDO – Juan Calzadilla
–EL FABRICANTE DE MARCOS – SEP 2023
Alexis Blanco
